ENTREVISTA: MARTHA COOPER EN LIMA

La semana pasada, Lima dio la bienvenida por primera vez a la fotógrafa neoyorquina, Martha Cooper, para una serie de eventos relacionados con su trabajo. Cerca de 200 fotografías de Martha se exhibieron en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad, que ofreció un buen panorama de sus famosas fotos del libro Subway Art, así como al resto de su obra sobre el hip hop, los juegos de calle y más. A lo largo de la semana, pudimos acercarnos más a su trabajo después de escuchar a Martha en una conferencia y ver el estreno del documental “Martha: a picture story” (2019) dirigida por Selina Miles.

En realidad, Martha había venido a Perú por un trabajo de investigación con National Geographic en los 90s, pero nunca se había juntado a un evento local de arte urbano. La escena del graffiti y del muralismo es muy pequeña en Lima en comparación a otras ciudades en américa latina y en el mundo. Es por eso qué recibir a una persona influyente permite estimular su crecimiento.  Detrás de este proyecto están Meki, Nemo y Mirella Moshella quien trabajan desde muchos años como artistas urbanos, gestores, y documentalistas. Esperemos qué más iniciativas siguen surgiendo para seguir desarrollando el arte callejo peruano.

Si Martha ha vuelto a Nueva York, nos reunimos hoy a las 10pm por el cierre de la exposición “reinterpretando a Martha” en Selina Miraflores. Antes, les dejamos esta pequeña entrevista qué hicimos a Martha Cooper.

Martha Cooper: Historia en Imagenes, MAC LIMA

¿Cómo fue tu experiencia en Lima durante esta semana? ¿Qué te gustó de la ciudad?
En realidad, no vi mucho de la ciudad, principalmente Miraflores. Lo pasé muy bien, pero eso fue porque todos eran muy simpáticos. ¡También la comida peruana es deliciosa!

¿Te ha gustado fotografiar algo especial en Lima?
Me gusto en particular el día que pasamos en la fábrica textil abandonada. Pude tomar fotos de escritores de graffiti en acción y tomar tantos ejemplos interesantes de diferentes estilos de graffiti.
También me gustó particularmente el pueblo pesquero súper pintoresco de Chorrillos, donde Lucho (dueño del bar Hensley) nos llevó a comer su ceviche favorito. Por favor, organizan un evento de arte callejero donde los artistas pinten los barcos de pesca ¡

La película “Martha: a picture story” habla sobre otras facetas de tu trabajo, y no solo sobre el movimiento de graffiti / street art con el que estás más relacionada. ¿Por qué es importante que transmitas este mensaje? ¿Te gustaría estar asociada a algo más que el graffiti?
Aunque soy conocida principalmente por mis fotos de graffiti, estoy interesada en fotografiar todo tipo de cosas. Hay un hilo conductor en mi trabajo. Siempre busco personas creativas en su vida cotidiana. Me gusta que las personas vean y comprendan mi trabajo en general, no solo enfocar en las fotos de graffiti

Durante tu carrera, la tecnología ha cambiado y parece que has evolucionada junto con ella. ¿Esta evolución ha cambiado tu forma de trabajar? ¿A veces sigues usando cámaras analógicas?
Una vez que aprendí a usar cámaras digitales, las preferí y nunca volví a usar cámaras analógicas. Hay muchas ventajas en lo digital. Puedes cambiar la iso cuando quieras. Con la película tendrías que cambiar el rollo. La cinta solo tenía 36 fotogramas en un rollo, mientras que la digital tiene cientos en una tarjeta. La cámara hace un buen trabajo al equilibrar diferentes fuentes de luz, por lo que no es necesario usar filtros. Finalmente me gusta poder editar las fotos yo misma en Photoshop.

En “Martha: a picture story” y tu libro “One week with 1up”, podemos ver que aún te gusta tomar riesgos e aventurarte en acciones ilegales de graffiti. ¿Por qué?
Es divertido y emocionante ir a una acción de graffiti y el potencial está ahí para tomar buenas fotos que no todos pueden tomar. En esas situaciones, la fotografía es desafiante porque las acciones son generalmente de noche cuando está prohibido usar flash. Para mí, tomar una buena foto es la recompensa.

Cual sería tu consejo a mujeres qué quieren actuar y crear en la calle ¿

Sé persistente y no te rindas. No tome el rechazo personalmente. Elige algo que ames y apégate a esto.

Fabrica abandonada en Lima – foto por Eletra

Un festival feminista en los suburbios de Paris: Comme Nous Brûlons es una celebración creativa de la lucha contra el patriarcado

Por su tercera edición el festival Comme Nous Brûlons nos llega mas competido qué nunca con la lucha contra el patriarciado. Entre performances provocativas, conciertos exclusivos, talleres militantes, y proyección radical, el equipo de Chola Magazine nos cuenta su experiencia en este espacio de reflexión libre y comunitario.

Texto : Lucile Chabot / Fotografia : Charlotte Béja

copyright : Charlotte Béja

Miércoles, 8pm, en un cine del suburbio norte de Paris. El auto-proclamado festival feminista incandescente “Comme nous brûlons” (Como Nos Quemamos en español) empieza con un orgasmo solitario, con la proyección del corto metraje “Pussy”, de Renata Gąsiorowska. El tono está claro: este festival es el festival del placer de todas las mujeres, para todas las mujeres. Esta primera noche sigue con corto metrajes inventivos que cuestionan el día a día de mujeres provenientes de las minorías del país, de las mujeres trans, y todo el sistema patriarcal y sus consecuencias sobre la salud mental de las mujeres, y también de los hombres que las rodean. El documental “Indianara”, de Aude Chevalier-Beaumel & Marcelo Barbosa, cierra la noche con una inmersión en la vida de la activista transexual Indianara en el Brasil de Bolsonaro.

Copyright: Charlotte Béja

Jueves, Día 2. Seguimos en ese mismo suburbio del norte de la capital, que se conoce mejor por hacer los titulares de las noticias cuando hay disturbios que por su vida cultural, una reputación no merecida, ya que allí mismo se multiplican los lugares alternativos para la cultura, el arte y la fiesta. La segunda noche del festival promueve performances de arte proteiforme, muchas veces poético, que cuestiona la sexualidad femenina, así como los derechos y el cuerpo de la mujer como objetos de protesta. En este espacio libre de prejuicios no solo existe cólera ante el patriarcado, también se ríe y se goza, y se rie de sí mismo, de las caricaturas que pueden ser las feministas, los LGBTI y los queers. Entre el show de Drag Queens, la declamación de poemas y un cabaret, el colmo de la noche fue con la artista Maria Veneno, de Argentina, y su performance post pornográfica, acompañada por imágenes de las protestas argentinas de Ni Una Menos y de las marchas para un aborto legal y seguro.

Copyright : Charlotte Béja

Para el resto del festival, de viernes a domingo se sucedieron presentaciones musicales, conferencias, exposición de fotos y talleres, algunos sin carácter mixto, es decir que eran reservados a la comunidad afectada. Asimismo, hubo una discusión entre mujeres trans y un brunch vegano con proyección de películas pornográficas feministas.

Las noches son para bailar, y bandas comprometidas con la causa feminista, compuestos al 100% de mujeres, tomaron el escenario para hacer vibrar al público. En búsqueda de los cis-hets perdidos entre la masa de activistas, nos damos cuenta que todo el mundo se mezcla, y ya no sabemos quién es quién. La mujer se hace sirena, se hace serpiente, y recupera su libertad bailando en un espacio seguro. Los estilos extravagantes y disparates casi nos parecen uniformes, y esa uniformidad es llamativa. Parece que gente de una misma manada se están reuniendo por fin bajo esta luna llena para celebrar sus costumbres.

El sábado la DJ Argentina Catnapp prende la pista con sus beats electrónicos, demostrando una vez más que la escena feminista latino-americana inspira las luchas de las mujeres en todo el mundo. Sigue la extraordinaria Queen Ci, con ritmos del Caribe.

El domingo cierra las festividades de esta tercera edición del festival Comme Nous Brûlons, con un taller para aprender a fabricar su propio vibro y las españolas de IRA con su trap antipatriarcal. Salimos más brujas que nunca, con ganas de raparnos el pelo y derrotar al patriarcado, para que la cuarta edición del festival solo sea una celebración de los logros de los movimientos feministas en todo el mundo, para las mujeres indígenas, trans, lebianas, queers, cis, mestizas, negras, blancas, heteros o asexuales. Para la libertad de todxs ellxs.

“Ellas”, un libro sobre las mujeres en el graffiti español

El fotógrafo Jeosm con más de 20 años en la escena del graffiti, regresa con un nuevo libro Ellas, donde las mujeres son las principales protagonistas. Es dentro de una serie de imágenes en blanco y negro qué el autor narra un retrato femenino del graffiti español, cambiando nuestra visión masculina de este movimiento.

“Ellas” son “estas chicas”. Las que son diferentes, independientes y que toman riesgos. Estas chicas que existen en la obscuridad de un movimiento dominado por el género masculino. «Me llamó mucho la atención que la gente se sorprendiera que había mujeres escribiendo graffiti de verdad, no sólo haciendo Street art, sino tags, bombing y acciones peligrosas” dice Jeosm. El título en sí mismo es una referencia a la asociación sistemática de los artistas de graffiti con un género en lugar de sus acciones. Asi, el género persigue a las escritoras subtitulando su nombre y sus acciones, siempre planteando la pregunta; ¿una mujer puede hacer esto?  “Quería enseñar que mucho del graffiti que vemos esta hecho por mujeres y que no son nuevas en esto, ni es una moda para ellas, sino que es una forma de vida, que forman parte del graffiti desde sus inicios y que ellas lo hacen evolucionar”. Algunas escritoras aparecieron en su previa publicación Guerreros urbanos, destacando la importancia de “ellas” en el movimiento cultural del graffiti. Jeosm describe en su nuevo libro, un universo puramente femenino, poco conocido, para mostrar quiénes son estas mujeres anónimas qué siguen pintando desde años, sin deber nada a nadie.

Para el autor, independientemente del género, lo que importa es la acción de pintar, permanecer activo en la escena. En “Ellas”, destaca a las mujeres para integrarlas en la historia de la escena graffitera, y para mostrar que ellas también pueden hacerlo. En 2017, Jeosm publicó el libro “Mujer”, un libro que reúne fotos de 100 mujeres fotografiadas sin artificios. El autor captura retratos sinceros, representado mujeres tal como son, para dar una versión pura de la realidad. «Creo que era necesario mostrar la imagen real de la mujer, que no depende del hombre para nada, al menos en los entornos o el tipo de mujer que yo he retratado. Busco mostrar su coraje, valentía, carácter, fuerza y sobretodo independencia». En “Ellas”, Jeosm guarda la misma visión, pero adaptada al universo del graffiti.

En 1996, el fotógrafo comenzó a practicar el graffiti: «Desde mis inicios ya había mujeres, algunas grandes referentes y desde el año 2002 hay dos mujeres en mi crew. Considero que en el graffiti no hay géneros, hay nombres, tags, piezas, pompas, misiones, me da exactamente igual que lo haya hecho un hombre o una mujer. Sólo me importa el estilo, como lo haces y dónde”. En este nuevo libro “Ellas”, Jeosm crea un homenaje a las mujeres en un entorno que él conoce muy bien y donde varias son también amigas. Los testimonios de algunas de ellas complementan la narrativa fotográfica. Una de ellas, Sarayk comenzó a escribir en 2001 y cuenta en el libro sus inicios, sus buenas y malas experiencias. «No creo que el graffiti sea diferente para hombres y mujeres, si te gusta es para siempre. Aunque nunca un escritor tuvo que cambiarse de tampón en una fábrica abandonada, detrás del muro de una vía o en medio de un descampado”. A través de anécdotas íntimas, textos de historiadores y un corpus de 120 fotografías, este libro nos permite ingresar al cuotidiano poco conocido de estas chicas.

Pueden encontrar el libro «Ellas » en los enlaces siguientes

https://www.grantlibreria.com/libro/ellas-jeosm_11989

https://www.writersmadrid.es/libros/1733-ellas.html

Street art en Lima con Mirella Moschella

Mirella Moshella lleva 11 años trabajando en el arte urbano como artista audiovisual y gestora de proyectos. Ella toma fotos y hace videos documentales sobre artistas muralistas tanto en Lima qué en el extranjero, pero también realiza festivales y acaba de empezar en la curaduría. Recientemente, El Museo de Arte Contemporáneo le dio la plaza de curadora para su primer festival de arte urbano, Muros Abiertos.

Ella pudo ver el cambio que ha ocurrido en la escena urbana de Lima en los últimos años y contarnos su punto de vista, así como su experiencia. En paralelo a esta discusión, Mire nos revela sus 5 murales favoritos pintados por artistas nacional como Meki pero también internacional como Gleo de Colombia. Si aún no los has visto en la calle, descubre su selección en el artículo.

Autoretrato de Mire Moshella

¿La escena del arte mural ha crecido en Lima?

Yo empecé a trabajar con el arte urbano allá por el 2008. Si hacemos una retrospectiva de los últimos 10 años, hablando sólo de Lima y de arte mural en la calle – Porque en el Graffiti la historia es otra. Ahí sí puedo decir que hay muchas chicas metiéndole constante y en buenos spots.  Podemos mencionar a Meki como una de las pocas (no quiero aventurarme a decir la única) que ha pintado sin parar desde que empezó allá por el 2005, de manera autosugestionada en su mayoría, y mucho más esporádicamente para festivales o comisiones. Se puede hablar también de Fefa, cuya presencia más constante creo que podríamos decir es hace unos 5 años. Luego, en gestión está Monica Miró, con el Nosotras Estamos en la Calle, festival con más de 10 años para el cual vemos que muchas chicas de Lima se acercan a participar sin mucha constancia en la calle, más allá del festival. 

¿Las mujeres están más presentes qué antes según ti?

Ahorita, es un momento de auge me parece, porque estamos en una etapa de cambio, de cómo la sociedad percibe el espacio que ocupa la mujer, desmitificando lo “femenino” y “masculino”.  Un camino a la igualdad que está exigiendo se evidencie la presencia de la mujer en muchas esferas a las que siempre hemos pertenecido, pero de alguna manera se nos ha invisibilizado por tener una presencia menor (en cantidad) que la masculina. Hay varias chicas que han empezado a pintar en la calle en el último par de años, con propuestas bastante frescas e interesantes cuya presencia se está evidenciado en el medio justo por esta demanda. Sin embargo, creo que esto también está condicionado por la necesidad comercial que hay de mostrar a mujeres en actividades alternativas, ya que este estado de cambio a nivel mundial ha hecho que de alguna manera sea requisito para las marcas la cuota de género, un recurso bastante recurrente últimamente.  Entonces, si una marca hace una campaña y pide que pinten 5 o 6 mujeres, chicas que no necesariamente tienen una presencia sólida en la calle, tienen acceso a buenas oportunidades comisionadas. Esto no puede ser sino positivo, independientemente de los intereses de las marcas, ya que estamos ante la oportunidad de tener más recursos para poder trabajar más y mejor en el espacio público. 

Entonces, ahorita, sí hay más chicas que pintan en la calle. Sin embargo, creo que es algo anticipado responder si es una presencia sólida o no, habrá que responder esta pregunta en unos años para ver si este auge representará un cambio y aumento femenino en el arte urbano en Lima.

Gleo (Colombia), Monumental Callao
Foto : Mire Moshella

¿Has viajado en varios países de Latino América, qué puedes comentar/comparar con Perú? 

Haciendo un paralelo con lo que he visto en otras ciudades Latinoamericanas, creo que hay más mujeres que se atreven a generar sus propios espacios de acción fuera. Aquí en Lima, los chicos salgan a buscar sus paredes y pasen un domingo de pintar. Siento que con las chicas que pintan mural, no pasa tanto eso. Se les ve mucho más en festivales o comisiones que pintando en la calle, por el simple acto de pintar. 

En Argentina, por ejemplo, el colectivo Amura es un buen referente de chicas tratando de hacerse espacio en un medio liderado y muchas veces cerrado a los hombres. Viendo casos independientes, está Bastardilla de Colombia.  Artista que gestiona sus muros y tiene una manera tan desapegada de trabajar que ni siquiera los firma. En Uruguay está Min Ocho, artista que pinta desde hace 20 años y es llamada también para producir eventos de graffiti en Montevideo y otras ciudades de Uruguay. Otro nombre que se ha hecho super grande en los últimos años es el de Gleo, también de Colombia. Magda Rossi es una gestora que no podemos dejar de mencionar si hablamos de lo que está pasando en este momento en Latinoamérica, ella produce la BAU, Bienal de Arte Urbano de Cochabamba en Bolivia, hace ya 6 años y actualmente junto a Salvador, son el colectivo Perro Sueltos y se encargan del Ñatinta. Festival de arte urbano en el Cementerio General de La Paz. Seguro hay muchos más casos que desconozco, pero puedo decir que estos ejemplos son de mujeres que trabajan por pasión y amor al arte en la calle, más allá de cualquier otro tipo de interés.  

¿Tu como fotógrafa como te has apasionado e integrado a esta escena?

Mi trabajo se ha desarrollado en dos ramas paralelamente.  Por un lado, la realización audiovisual y por otro la gestión y producción de eventos de arte urbano. 

Para mi encontrar el arte urbano fue un respiro. Mientras estaba estudiando en la universidad, trabajé produciendo a artistas plásticos y muestras en galerías y me saturé un poco de las dinámicas de ese medio. Conocí a gente que pintaba en la calle y gestionamos el pintado de una casa abandonada, me encantó. Todo fue siempre como jugando.  

¿Nunca te enfrentaste a situaciones machistas?  

En ese entonces siempre hacía videos y fotos de conciertos underground de la escena rock y punk en Lima, así que empezar a registrar muros fue como trasladarme de una movida alternativa en espacio público, a otra.  Siempre hubo buena onda cuando me acerqué a registrar, los artistas siempre me invitaban a sus eventos o cada vez que tenían un muro me pasaban la voz.

En paralelo, como productora me dieron el encargo de producir mi primer festival de arte urbano, allá por el 2011 “Golden Graffiti”.  Esa fue la primera vez en mi vida que sentí que trataban de sacarme de un lugar que ni siquiera había empezado a ocupar. Recuerdo que fui en busca de proveedores a una tienda de graffiti y en ella me esperaba media crew de artistas urbanos, mucho mayores que yo y de alguna manera trataron de… ¿intimidarme? Sólo entendí que querían ser jurados del festival que yo estaba produciendo, pero de una manera amenazante, al menos así se sintió. Luego de esa experiencia nunca me he encontrado directamente con situaciones de ese tipo. De hecho, cuando empecé en el arte urbano, me afané con pintar y fueron chicos los que me “hicieron la taba”, llevándome a spots chéveres

¿Cuáles soluciones podríamos buscar para más igualdad, más chicas muralistas?

Hay que hacer. Sobre todo, ahora, que como comentaba anteriormente, la condición es muy favorable para las chicas que quieran hacer. En cualquier esfera.  

Hay que generar nuestros espacios, nuestros encuentros. Sobre todo, los encuentros, considero que la escena en Lima está super fragmentada. Hay pequeños círculos girando sobre un mismo eje general y eso pasa porque lamentablemente nuestra cultura está ligada a la desconfianza y a la ley del más vivo. El que con menos trabajo quiere llevarse el mayor beneficio y si eres mujer en ese escenario en una sociedad mayormente machista, pues el reto será más grande. Chocarte constantemente con ese tipo de situaciones genera que ya no te den más ganas de trabajar en comunidad. Pero creo, y esto también me sirve como ejercicio de propia reflexión. Siempre hay gente honesta con ganas de hacer las cosas bien. Así que hay que insistir con la comunidad, porque si no nos unimos, nunca tendremos una movida sólida y justa para l@s artistas, independientemente de su género.  Aprovechar las oportunidades que nos lleguen y compartirlas con nuestr@s compañer@s es la mejor manera de demostrar que si se puede trabajar en conjunto de manera armoniosa, respetuosa y sobretodo con igualdad. 

Vero Riviera, Monumental Callao

RETRATO DE UNA ARTISTA: BRONIK

Bronik es una artista peruana que se dedica al arte urbano. Ahora reside en España, donde ha desarrollado su arte, pero visita regularmente su tierra natal, Perú. Aprovechamos la oportunidad de su último viaje a Lima para conocer su trabajo y conversar con ella.

Rico en color y poesía, el arte de Bronik nos hace viajar en un mundo lleno de naturaleza y personajes femeninos. Se inspira en el mundo que la rodea, sus viajes, su lectura o la música: «mi inspiración llega desde una frase de un libro, hasta una canción. Todo desemboca en personajes alrededor de naturaleza y animales”.  La artista es versátil y utiliza varias técnicas del stencil a la pintura en aerosol.

© eltra vhs

“Los mejores recuerdos son cada momento, lugares y gente muy positiva que va apareciendo a lo largo del camino. “

Sus mujeres gigantes llenan de feminismo las ciudades del mundo. Bronik ha podido desarrollar su arte en varios países como Indonesia, Vietnam, Inglaterra y otros más. Si la mujer es un personaje omnipresente en su pintura, uno puede tambien reconocer fácilmente su trabajo por su paleta de colores y la presencia de pájaros en su obras. “Trato de trabajar con cierta gama para que haya una armonía en mi trabajo, y hay algunos elementos que, si se repiten, como los pájaros, que aluden a la libertad”.

Si Bronik empezó a pintar en Perú, ella vio muchas oportunidades en irse a vivir en España y poder participar en eventos internationales. Cada ano, regresa a Perú y está invitada en participar en festivales como Nosotras estamos en la calle o en proyectos como Puro Muro. “El arte urbano en Perú tiene mucho potencial, pero falta el apoyo por parte de entidades para incentivar a más gente a pintar, y poder dar las facilidades de retos más grandes, a comparación de España que esto ya se da normalmente en cualquier actividad”, ella nos cuenta.

Su inspiración: el arte colorido de la artista Gleo y las figuras femeninas de Herakut

“Detras de la cocina” : entrevista con Marie Aline.

Si la cuestión se reduce muchas veces a “¿qué comes?”, Nos preguntamos menos “¿qué estamos desperdiciando?” En instragram, la competencia de imágenes de comida generan millones de “likes” y los foodbloggers se multipliquen. Sin embargo, los botes de basura también tienen algo que decir. Cuentan la historia de una materia que no se consumirá, su camino a la autodestrucción o la supervivencia durante años. A pesar de que los movimientos ecológicos se han vuelto populares, la autosatisfacción tiene prioridad sobre el impacto del consumismo en la planeta.

Marie Aline, Periodista por M, la revista Le Monde, da una vuelta a los tachos de basura de los mejores restaurantes de París. Ella relata retratos escritos y fotográficos de residuos de alimentos. Marie Aline no tenía ningúna formación academica antes de entrar en el periodismo, es su cotidiano que entrenó su mirada critica. Ex editora en jefe de la sección de gastronomia de GQ Francia, publico el libro Must Eat! en 2013, y se convirtió en columnista de M, la revista del Monde.

Alrededor de una entrevista, la periodista nos explica su relación con el mundo y su aventura en la gastronomía en torno a algunas preguntas.

Creditos : Marie Aline

¿Cómo te interesaste a la fotografia?

Olvidando una cámara Leica M3 en la cima de una montaña del sur de Francia, en Cevennes. Comencé a hacerme preguntas sobre la práctica de la fotografía. Para mis 18 años, mi papá me había ofrecido esta cámara que un tecnico le había vendido. Con eso, fotografié a las personas que conocí, su forma de vida, su intimidad, sin ninguna inhibición. Quería ser antropóloga, así que documenté mis viajes. Y luego, olvidando este objeto de tecnología en la naturaleza, me di cuenta de que encontré el objeto engorroso, como un filtro entre los demás y yo. Esta es una de las razones por las que me convertí en periodista de prensa. Allí, no hay filtro, solo conocer al otro, un lápiz, un papel, y el diálogo tiene lugar. Con la llegada de los smartphones, volvi a hacer fotos que no tuvieron consecuencias.

Creditos : Per-Anders Jorgensen

¿Nos puedes contar sobre tu proyecto Trashterapy ?

Trashtherapy nació alrededor de una noche de enero, en el profundo aburrimiento del invierno parisino, en la ironía que cultivo para Instagram. En esta red social, la vida del depresivo más profundo puede parecer increíble ¿Qué pensar de la basura de una persona depresiva? Es hermosa, de una intensidad inalienable, lleva una intención fuerte, consciente, ambientalista, política. Es con cinismo que publiqué la primera foto de mi basura. Más por diversión que por fama.

Y luego M, la revista Le Monde, quiso publicar estas fotos, pero el jefe de redacción no sabía cómo. Luego me ofrecí de profundizar el proyecto y hacerlo con la basura de los restaurantes. El proyecto luego se convirtió en conciencia de primer grado. Y me alegra verlo dar un giro más verde y militante.

Creditos : Marie Aline

¿Qué te interesa en la fotografía?

No me considero en absoluto fotógrafa. No es mi campo favorito de expresión, aunque en el proyecto Trashtherapy utilizo la herramienta de cámara para dar a ver y sentir. Instagram sigue siendo hoy la galería más accesible y resulta que solo expone fotos, así que me inclino hacia el medio.

Después, si la pregunta es ¿qué me gusta de una imagen? Me gusta el contraste, la luz que golpea, el detalle que perturba, la historia qué se entiende en una mirada.

¿Cuáles son tus inspiraciones?

Francamente, no lo sé. Observo cosas a mi alrededor. Tengo el síndrome de la mirona. Me alimento de todo: una bolsa de plástico en un árbol, un hombre con una chaqueta de leopardo, otro que quita suavemente las pestañas de la mejilla de su esposa, las hojas que se rompen al pie de un árbol…

Creditos : Marie Aline

Los techos de basura son bastante repugnantes para la mayoridad de personas. ¿Por qué te interesa en algo que mucha gente mira con asco ?

Conocí a un hombre fascinante, no hace mucho: Marc-André Selosse, profesor de microbiología en el Museo de Historia Natural. Él dice: “Las especies no han evolucionado de una manera que las lleve a ser buenas o malas. Los microorganismos pueden ser positivos o negativos dependiendo de las circunstancias.” Lo limpio, lo sucio, existe solo en el marco de los humanos. Este es un primer elemento de respuesta. Luego me interesé en la basura porque son una descripción del mundo consumista en el que vivimos.

¿Cómo desarrollaste ese interés en las cosas que nadie mira?

No sé si se desarrolla o si todos somos así al principio y, poco a poco, perdemos esta capacidad de notar lo pequeño, la diferencia. Mira a un niño, por ejemplo, si lo dejas libre para caminar en cualquier lugar de la calle, en un campo, en una casa, le llevará horas cubrir una distancia que cubrirá en cinco minutos. Por qué ? Debido a que el niño se detiene tan pronto como ve algo nuevo, se acerca a él, lo toma en su mano, lo siente, lo observa, incluso lo pondrá en su boca tal vez. Así es como sentimos que pertenecemos al mundo en que vivimos: lo ingerimos, lo digerimos.

Creditos : Marie Aline

¿Qué estás haciendo ahora mismo en tu vida?

Observo, encuentro personas, cosas, las escucho, transcribo lo que tienen que decir. Como, y luego digiero … Más específicamente, escribo una columna gastronómica cada semana en M, la revista Le Monde. Tomo fotos de los botes de basura de los restaurantes y hablo con los cocineros sobre su relación con los desechos, lo que revela sobre sus formas de trabajar. También escribo sobre campesinos que adoptan nuevas formas de cultivar la tierra. Y luego, invento historias.

Muchos artistas cuestionan la idea de “belleza” hoy. ¿Qué es “hermoso” y “feo” para ti?

Me referiré nuevamente a Marc-André Selosse. Las cosas son positivas o negativas dependiendo de las circunstancias. Lo bello, lo feo, depende del contexto en el que viven. Es la relación con el contexto que dice una realidad interesante.

6 proyectos de mujeres han sido elegidos por la ciudad de París para embellecer la ciudad

Embellecer nuestras calles. Repensar nuestra vida cotidiana. Este es el nuevo proyecto de la Ciudad de París que ha lanzado una convocatoria de solicitudes para rehabilitar 20 espacios de la capital. El arte se ha convertido en una respuesta a la mejora del espacio público para incluir a los usuarios y hacer un lugar más agradable. Entre los proyectos ganadores, 6 de ellos serán llevados a cabo por mujeres.

Feminismo, historia o juego, el espacio toma muchas formas y cada artista le encuentra una especificidad diferente. ¿Son nuestras ciudades igualitarias? ¿Vivimos en una ciudad del pasado que ya no se adapta a nuestras vidas contemporáneas? Tantas preguntas que estos artistas, arquitectos o diseñadores se preguntan a sí mismos para repensar nuestros espacios, nuestros movimientos y nuestras interacciones. El artículo presenta los proyectos de mujeres que se implementarán próximamente en la capital francesa.

Obras feministas en el barrio popular de Barbès


Se han seleccionado dos proyectos para mejorar el “paseo urbano” Barbès Rochechouart, debajo de las bóvedas del metro aéreo, incluido la propuesta de Randa Maroufi con el Instituto de culturas islámica. La artista ha estado trabajando en el proyecto “les intruses” (las intrusas) desde diciembre 2016. Comienza a partir de una observación sobre la ocupación predominantemente masculina de los espacios públicos, y utiliza la alteración de sujetos en su imagenes poniendo en escenas mujeres “intrusivas”. Juegan a las cartas, ven un partido de fútbol, ​​ocupan terrazas de café en los barrios que normalmente excluyen el género femenino. Si ya había ejecutado este proyecto en Bruselas, Maroufi propone volver a hacerlo en el popular distrito de Barbès, donde las mujeres quedan invisibles en los lugares que ella explora. Arriba del mercado que anima el vecindario todos los sábados, las fotografías del artista expondrá a las mujeres “intrusivas” para realzar su presencia en el espacio común.

Como el proyecto de Maroufi ocupaba un espacio pequeño, el jurado decidió mezclarlo con la propuesta del colectivo de mujeres Nacarat Color Design. Este grupo de 6 artistas coloristas propone instalar pantallas policromadas para crear un ritmo y un harmonia el espacio. Este proyecto complementa al de Randa Maroufi, mucho más social y político. El colectivo dirige su atencion en una cuestión de estética del lugar, para romper con los colores monótonos de la caminata. A través de varias secuencias, Nacarat Color Design ofrece una variación de la atmósfera que pasa por los cálidos símbolos de energía y vida, mientras que los colores más suaves hacen eco en el paisaje de la ciudad.

Este paseo urbano se vuelve profundamente femenino, reconciliando la presencia de las mujeres en el espacio público.

Espacios de diversión e interacción para todos

Junto a los colectivos Otra Ciudad y 1Week1Project, los artistas Sophie Picoty y Basco Vazko han designado un área de juego colorida para la calle peatonal Henri Desgranges. Esta instalación promueve el vínculo social, con un diseño gráfico que fomenta el intercambio y la idea de compartir en el espacio público. Partiendo de un sitio abandonado, poco frecuentado por los parisinos, el proyecto “Active Bercy” es un lugar diseñado para incitar la interacción entre los residentes. El uso de diferentes patrónes geometricos en el suelo tiene como objectivo, acompañar al visitante, y jugar con el espacio. Además de las formas cúbicas, las líneas libres interrumpen el pasillo y juegan con el contexto: entrada de edificios, tiendas, etc. “Active Bercy” reapropia una calle hostil para convertirla en un lugar para todos, que desarrolla un lenguaje social y cultural.

Con la misma idea de crear un espacio diversión, “le motif est dans le tapis” (El patrón es en la alfombra) es una tapete de concreto gigante. El visitor esta invitado a cruzar un enorme tablero de ajedrez. La holandesa Aam solleveld propone crear un espacio de ficción en un lugar real. El usuario es transportado fuera de su monótona vida cotidiana para infiltrarse en un campo de entretenimiento. Este nuevo paisaje ofrece una serie de formas geométricas y líneas curvas que se oponen, pero se conectan. Ella hace uso de patrones moriscos, ya conocidos, por el terreno aplicado en una configuracion arquitectónica nueva.

Instalaciones para recordar la historia.

También en la idea de estudiar el contexto para producir una obra, la sueca Noemi Sjöberg se inspira en la historia del puente Garigliano qué cruza el río la Seine. La famosa carrera de “la traversée de Paris à la nage” (cruzar Paris nadando) terminaba debajo de este puente donde se producirá este mural asombroso. La artista reproduce una foto de archivo de 1922, representando un buceador y compuesta por placas de cemento mate con diferentes tonalidades. La imagen es modificada y pixelada por Sjöberg, de modo que solo sea visible desde la orilla opuesta de la Seine. El buzo parece nadar en suspensión, como un recuerdo enterrado que flota en nuestra memoria.

La plaza Europe-Simone Veil es un lugar altamente histórico como su nombre indica, simbolizando a la vez la una figura emblematica del feminismo y la unión entre los paises europeos. Nathalie Junod Ponsard ha realizado varios obras en el espacio público. Esta vez propone invertir la rotonda del sitio con un trabajo luminoso que resulta en una reflexión, al mismo tiempo histórica y poética, que toma la forma de un collar de perlas brillantes. Esta instalación se desarrolla como una experiencia del espacio a tiempo real donde los colores cambian según la luz de los faros de los automóviles, del día o de la noche. Estas variaciones cromáticas circulan entre el sitio y los visitantes, e inducen una experiencia de la obra, modificada por el movimiento. Nathalie Junod Ponsard ofrece un trabajo contextual y cargado en iconografía.

El colectivo Nacarat Color Design ha sido asignado con un segundo proyecto, ubicado en el distrito 14 de París. Estos artistas buscan revivir espacios, cuestionar el “genio del lugar” para resaltar su historia y sus características arquitectónicas. El objetivo no es solo mejorar el sitio, sino contar una nueva historia. Llamada “ode à l’amour et à la création” (oda al amor y la creación), esta obra es una celebración a dos artistas de diferentes épocas. Por un lado, es una “oda a la creación” de la arquitectura posmoderna de Mandini. Y, por otro lado, una “oda al amor” a Bernard de Vendadour, nombre de la calle y famoso trovador del siglo XII. Nacarat Color Design da una nueva identidad, una nueva experiencia a este lugar mediante la creación de mosaico policromado, manteniendo el patrimonio arquitectónico y poético de este espacio.

Una visión contemporánea de Perú a través las colecciones de Annaiss Yucra Mancilla: cuando la ropa se convierte en portadora de lucha social.

Annaiss Yucra Mancilla es una diseñadora de moda que ha marcado internacionalmente con creaciones dotadas de mensajes sociales, una paleta de colores vivos, y un inmenso deseo de transmitir al mundo las tradiciones de su país natal.

Mezclando modernidad y tradición, su ropa crítica a un gobierno aún patriarcal, donde la corrupción sigue fuerte y las leyes favorecen la injusticia en el tratamiento hacia las mujeres. Ella tambien habla de otros problemas mayores en el Perú como la desigualdad en el acceso a la educación. Annaiss observa y analiza los males de su país e intenta cambiar las mentalidades con su talento. Su trabajo ha sido seleccionado dentro de los eventos internationales más importantes de la moda emergente, como Fashionclash 18 o iD Emerging Designer Awards 18, y será presentado en Mercedes Benz Fashion GT SS19 en Rusia.

La diseñadora nos invito a visitar su taller y conversar con nosotros sobre su collecion, su vision del mundo, y de la moda.

¿Cómo comenzo tu pasion por la moda?

En realidad, el rulo de la moda y del textil han sidoparte de mí desde pequeña. Mis papás tenían una empresa textil. Recuerdoir al taller y ver cómo como cocinaban las piezas, se hacían los hilos, lastelas. Me dedicaba a cortar las piezas pequeñas y a crear moldes para mismuñecas o para mi perrita. Creo que cuando hablamos de moda muchas personasimaginan que es un ambiente muy glamoroso, pero realmente detrás una pieza haymuchas personas involucradas. Sin embargo, mi familia estaba muy tradicional y paraellos era muy importante que tuviera una carrera tradicional. Entonces, nuncame enfocaron en la parte del diseño, siempre me ensenaron más la parteadministrativa y económica

Pero realmente no me veía en una oficina. Me veía en un ambiente donde haya más acción, algo más creativo. Soy una persona muy visual. Me gusta observar qué está pasando en mi sociedad.

¿ Qué estudiaste? ¿Cómo llegaste a hacer una carrera en la moda si tus padres no querían qué te dedicas al diseño? 

Estudié economía en la Universidad del Pacifico. Fue en Inglaterra por un curso de la universidad para estudiar inglés porque necesitaba el IELTS cuando estaba a mitad de carrera. En paralelo de mis clases, tomé unos cursos de arte sin qué mis padres saben. Empecé a realizar mi portafolio y lo envié a diferentes escuelas en Inglaterra y todas me aceptaron. Hice un Bachelor en diseño de moda en Nottingham Trent University (Inglaterra) y unos cursos especializados en Central Saint Martin en Londres

¿Cuál es tu principal fuente de inspiración?

Cuando empiezo a diseñar trato de alejarme de referentes de moda, observo que está pasando alrededor, lo que mi sociedad me está tratandode indicar. Todo eso se repite en mis colecciones. Me inspiro de mi pasado, delas personas que estuvieron detrás mío: mi madre, mi abuela, mis tías. Siempretrato de referirme a mi herencia, pero también hablo de mi presente.

Por la colección WILLKAS AW 18, presentada en el 19th iD International Emerging Designer Awards en Nueva Zelanda, el tema del concurso era dualidad. Quise llevar una reflexión sobre la tradición y la modernidad. Empiece con el mito de WILLKAS, qué trata de los gemelos de Pachacamac y Pachamama como una representación de la dualidad en la cosmovisión andina. Ellos tienen que pasar por muchas adversidades en el mundo terrenal. Mi colección se centraba en esta idea, pero en un Perú contemporáneo, donde estudie específicamente la comunidad de Ccorca, localizada en Cusco. Ahí, Los niños tienen que caminar más de 20 kilómetros diarios para ir a la escuela más cercana y muchos no van a estudiar. En fin, de luchar contra el abandono escolar, la ONG inglesa llamada Amantani, creyó un “boarding school” en la escuela, donde los niños podrían quedarse de lunes a viernes y los fines de semana regresar con sus familiares. Cada año realizan corto metrajes con los niños, y el año de mi colección trataba de como divertirse sin tecnologías, volviendo al tema de la dualidad, de como ellos en la modernidad siguen regresando a sus tradiciones. Con WILLKAS quería hablar de un problema social, y del empoderamiento de los niños.

En mis creaciones se encuentra una mezcla de técnicas artesanales y tecnológicas. Es muy interesante de tratar de juntar todas estas técnicas y ponerlas en una pasarela

¿En tu última colección “Resistencia” utilizas también la tradición como inspiración? 

En “Resistencia” se trata más de mi presente, de mipunto de vista como mujer en una sociedad latinoamericana. Es una investigaciónpersonal en cómo es crecer en una familia tradicional y tratar de buscar mispropias formas de libertad, pero también de cómo la mujer latinoamericana tieneque luchar contra un patriarcado establecido. El año pasado, las protestas feministas semultiplicaron en Perú para buscar igualdad frente a las leyes del país.

Mi paleta de colores usa los pantones de las manifestaciones en toda Latinoamérica, del color verde de la marcha pro aborto en Chile, al color morado de Ni Una Menos en Perú. Una manera de representar las diferencias que existen en Latinoamérica, sincronizadas en una mezcla de colores unidas por la misma lucha.

¿Has tenido reacciones de personas por los mensajes políticos qué lleva tu ropa? 

Mis colecciones son super coloridas Y creo que esoayuda a qué el usuario capta más directamente el mensaje. Un mensaje fuertesobre un vestido sobrio será interpretado como más agresivo, y el color atenúaesta recepción negativa. Creo que la percepción de un mensaje es muy diferentedependiendo de cómo se presenta. La significación de una frase cambiatotalmente en una pasarela y en la calle. Durante el evento en lo cualparticipe en Guatemala, las personas presentes se sintieron identificadas y sevolvieron feministas ese día.

En la calle, la percepción ha cambiado de una manera positiva por lo que está pasando. Ahora cuando vemos una persona caminando con un polo “mi mama me enseñó a luchar”, no interpretamos el mensaje como una ataca, sino como invitación a ser parte de ese colectivo, de sentirse identificado a un grupo, “yo también creo que mi mamá me enseñó a luchar”

¿Te consideras una persona política, activista?

Consideró que ése ha sido el eje de lo que Annaisssignifica. Desde pequeña tenía muchos problemas con mis papas, por ser parte deuna familia tradicional. No sentía la misma igualdad de oportunidades. Crear mipropio camino, me ha permitido cambiar eso en mi familia. Entonces, siento quési he podido transformar la percepción en mi hogar, puedo tratar de implementareste cambio en la sociedad. Intento introducir este cambio a través de AnnaissYucra Mancilla.

Hemoshablando bastante de lucha por los mensajes qué llevan tus creaciones, perotambién por el título de última colección “Resistencia”. ¿Con una visión másglobal sobre la moda, crees qué vestirse es una manera de luchar?

Considero que al momento que elegimos una pieza, queremosdecirlo algo al mundo. La moda es una manera de expresión. Una persona que llevaun polo blanco con un mensaje fuerte tiene algo poderoso a transmitir a losotros. También es una forma de comunicar nuestraspreocupaciones en nuestra sociedad.

¿Aún hay muchas personas qué dicen que la “moda”, en un sentido amplio, es algo superficial?
¿Qué opinas?

La moda tiene varias facetas. Ahora lo estamos viendo de un ángulo más interno, más social. Lo qué se sucede en las pasarelas es tan efímero y rápido qué el público no toma tiempo de reflexionar y entender la colección. Solo viven el momento.

¿Qué opinas de la moda en la actualidad ? ¿Ha cambiado?

Desde que empezo las cadenas de producción, la moda ha cambiado a un giro de 360°. La tecnología ha tenido también mucho impacto, permitiendo comunicar más rápidamente, todo es más accesible gracias a las redes. Antes publicar en un medio era muy costoso, y con las plataformas en línea puedes hacer conexiones alrededor del mundo, no hay límites. Al mismo tiempo, este cambio genera un mercado más competitivo. Creo que ahora el usuario ha pasado por una etapa deconciencia en su modo consumo. El cliente busca mas calidad qué antes, algo massostenible y con menor impacto en el medio ambiente.

¿De qué manera utilizas la tecnología? 

Dependiendo las piezas, uso varias técnicas. Realizo mis proprias impresiones en tela desde diseños digitalizados en mi computador. También, los cortes láser y la serigrafía con luz ultravioleta son otras técnicas presentes en las piezas.

¿A quiénves usando tus creaciones?

Mis piezas están echas por alguien muy especial, qué no tiene sexo, genero, edad, una persona qué no está encuadrad. Al principio pensé qué mi línea era femenina. Con el tiempo,me he dado cuenta al reunirme con hombres, no tan masculinos, pero más andróginos,qué disfrutan mucho las piezas y eso me llamó muchísimo la atención. Nuncahabía pensado en ellos como usuario. Vi la oportunidad de abrir mis creacionesa un público mas amplio y diverso.

En mi último viaje en Nueva York, vendí una pieza a una señora muy mayor; vestida de ropa muy colorida para su edad. Me di cuenta que hay un esquema, no hay una regla. 

¿ Cual son sus proyectos futuros?

El 27 de marzo tengo Lima Fashion Week, cual será mi primerapresentación en Perú. El día siguiente vuelo a Rusia, fue elegida entre uno delos 10 Global Talents en Mercedes Benz Fashion Rusia. A mi regreso a Perú, piensopresentarme en Bazar J del Jockey. Este año quiero también empezar mi plataforma en línea.

¿Cuál es tu sueño?

Pienso descansar cuando llego a Tokio. Asia es endonde veo qué me piezas podrían ser usadas en el cuotidiano, en la calle. Laspersonas son mas extravagantes en su manera de vestirse en el espacio público.

Ciudad sostenible y modos de transporte alternativos: Bicicletas

El tráfico de casi toda capital es caótico. La razón de este problema ? El modo de transporte personal ha crecido a un ritmo vertiginoso, un signo de prosperidad y éxito social en las ciudades. La demografía está creciendo, la congestión del tráfico también y la contaminación del aire es alarmante. Chola Magazine explora soluciones dos jueves al mes para encontrar una ciudad más justa y humana con articulos sobre el medio ambiente y una cultura urbana más sostenible.

Originalmente, el automóvil privado permite ser independiente del transporte público a veces defectuoso, para moverse con comodidad y rapidez. Con el aumento en la compra de automóviles por hogar, nuestras ciudades no tienen la capacidad de recibir un flujo significativo de tráfico. Las carreteras están congestionadas, los conductores están estresados ​​y la contaminación del aire está aumentando.

En Paralelo a este problema urbano, el ciclismo se ha convertido en un medio de transporte alternativo que mantiene su independencia respecto al tiempo, evita las colas de automóviles, y respeta la naturaleza. Este medio de circulación es ecológico y mucho más rápido cuando se viaja a dentro de la ciudad. Muchas iniciativas ciudadanas se han desarrollado en los últimos años, pero también cambios en las políticas urbanas que están modificando el paisaje urbano hacia la facilitación de infraestructura sostenible y ecológica.

Campaña “se accepta bici” de Actibicimo

La capital de Lima no está muy bien equipada en infraestructura para bicicletas y su tráfico puede asustar a algunos. Sin embargo, se denotan proyectos, como Actibicimo, un grupo de jóvenes que organizan muchos acción para promover los viajes en bicicletas. Aproximadamente una vez al mes, este grupo organiza una salida en la ciudad donde los participantes pedalean juntos. Esta iniciativa permite a personas de todos niveles de experimentar el ciclismo en la ciudad y conectarse con la comunidad ciclista de Lima en fin de motivar a los habitantes de aprovechar este tipo de transporte diaramente. Si bien su objetivo principal es aumentar la conciencia de la práctica hacia nuevos usuarios, sus acciones también son políticas. De hecho, recientemente lanzaron una campaña “se accepta bici” para animar a los restaurantes y lugares culturales a crear una plaza de aparcamiento para bicicletas.

Mapa de las vias de bicicletas en Lima, Peru (via Actibicimo)

Estas iniciativas son importantes en nuestras ciudades para crear conciencia de nuestro impacto en el medio ambiente, alentar las políticas urbanas, y mejorar las instalaciones disponibles para los ciclistas. En Lima, las vías para bicicletas están en malas condiciones, faltan de conexión, y mantenimiento.

En los sistemas de trenes con MUKI

En Porto, segunda ciudad más importante de Portugal, conocimos a la escritora de Graffiti Muki. Junta a su compañero Runis, pinta como pueda las paredes y los trenes de diferentes ciudades viajando. Queríamos saber un poco más de sus experiencias en los sistemas de trenes y metros. Le hicimos una pequeña entrevista.

¿Es importante viajar para hacer graffiti? ¿Qué te permite hacer diferente qué quedarte pintando en tu ciudad?

Si, porque tienes una experiencia diferente de lo que vives en tu día a día. Cuando estás en tu ciudad ya sabes todo, o casi todo, pintar fuera de tu zona de confort es una experiencia mucho más desafiante. A parte que dejas tu marca en otro sitio del mundo, y tus amigos van ahí y lo van a ver. Pero también tienes mucha ilusión de pintar un tren o un metro especifico de una ciudad. Cada ciudad es una historia. Pero lo mejor de viajar para pintar son los amigos que haces, el graffiti para mi es mucho eso, ¡tener amigos en todo el mundo!

¿Fuiste a Nueva York hace poco? ¿fue la primera vez? ¿Qué tal fue la experiencia?

Si hemos ido a NYC, ha sido un poco como entrar en la película de Style wars. ¡Quiero volver seguro! Tenía mucha ilusión de ir ahí, no solo por el graffiti, pero claro que es una parte muy importante, el metro de Nueva York es un clásico.

¿Ciudad preferida qué visitaste hasta ahora? ¿Por qué?

Para mis todas las ciudades tienen una historia diferente. Pero la que más me toca el corazón es Paris. Porque ahí he pintado mi primero metro fuera de mi país y ha sido un viaje muy romántico, ¿poco original no ? Ahah.

¿Cuándo empezaste a hacer graffiti? ¿Tu visión hacia la ciudad ha cambiado desde qué empezaste? ¿De qué manera?

Era una niña cuando empecé en 2010, no hace tanto tiempo. Pintaba paredes y claro que en 8 años muchas cosas han cambiado. Pero siempre me ha gustado la calle, las vías, al final donde había más adrenalina. Antes Porto tenía más graffiti, estaba más auténtico y ahora aquí ya no están tan bien las cosas para los graffiteros. Es una ciudad muy anti graffiti y hay que trabajar mucho para pintar.

¿Has tenido algunos problemas con la ley ¿

Si, claro. A quien realmente pinta siempre pasa.

 ¿Qué tal pintar con tu compañero de vida?  Qué tal vivir esa experiencia en situación de riesgo ¿

¿Qué tal pintar con mi compañero de vida? Ahah, es lo mejor y lo peor. No es fácil. Es como tener un trabajo, cuando planeas algo, coger colores, organizar planes. Cuando todo va mal es un problemazo, hay discusiones, hay culpas. ¿Cuándo todo va bien? ¡Es una fiesta! Lo mejor es cuando estas pintado un tren o un metro lo que sea, en un momento de miedo y adrenalina y giras la cabeza y está ahí mi compañero. Estamos ahí los dos, coordinados, a pintar y no nos pasa nada más en la cabeza. Son emociones muy fuertes que compartes al final. Para mí es un trabajo de equipo muy gratificante.

¿Sabemos qué no hay tantas chicas qué hacen graffiti en comparación de la escena global? De donde viene esta curiosidad para ti hacer graffiti ¿

Creo que en mi adolescencia en mi ciudad mucha gente hacia graffiti, y no lo miré como la gran parte de las chicas, que les da asco y piensan que somos unos vándalos asquerosos. Me ha creado mucha ilusión, quería hacer lo también. Ha sido una época de descubiertas muy guay. Pero para mí lo mejor sin duda ha sido cuando he empezado a pintar trenes, porque no es solo pintar, hay mucho más.